En La Mira — Boletín de reseñas críticas

Desayuno algo incómodo, reconociendo nuevamente la conquista de las matemáticas como última respuesta a casi todo lo conocido, a raíz del impacto causado por una nueva verdad disfrazada de estadística destacando el arte contemporáneo de la región en algún matutino virtual, mientras mastico torpemente un extremo amorfo de medialuna que anhelo bajar con el último sorbo de café.
Indago de inmediato en la virtualidad hasta encontrar las 7 Artes liberales y descubro que contemplan a las ciencias matemáticas en el patrón del Quadrivium de Arquitas donde se la divide en 4 disciplinas bien diferenciadas siguiendo la máxima: “Ar. numerat, Geo. ponderat, As. colitastra, Mus. Canit” 1 (la aritmética numera, la geometría pondera, la astronomía cultiva los astros, la música canta).
La relación puntual de los dígitos con el mundo del arte hoy se considera vox populi para todas las escuelas y es completa su aceptación social mediante el uso del bit como soporte de transmisión pandémica de arte por la web, considerando al momento exacto que una obra conquista el carácter de dígito se convierte de inmediato en una relación de ceros y unos, independientemente del formato original, ya sea una fotografía de un cuadro tomada por un turista en el Louvre o un delicado escaneo del mismo siguiendo estrictas normativas del museo -arriesgo despreocupado en un veloz bosquejo mental intentando enlazar la sociedad de las matemáticas y el arte en esta contemporánea era virtual.
Investigo minuciosamente algún tipo de antecedente que vincule estadística y arte, y atónito no descubro nada revelador de la ciencia que, hoy como método de divulgación, educa y castiga un 83% más que cualquier otra conocida históricamente.
Los desayunus interruptus son reveladores, me siento animado y considero momento oportuno para atreverme a elaborar mi propia estadística e inmortalizarla como máxima.
Tomo aire y, apenas carraspeando, proclamo:
El 100% de nuestra especie puede o podría hacer arte. Del total se desprende que un 74,3% no lo sabe porque nunca siquiera lo considerara posible y un 19,7% que sucumbirá ante su ego al apenas intentarlo. Del 6% restante tan solo una elite del 0,03% lograra sortear con éxito el costoso peaje de la fama que propone aceptar la crítica de cualquier ente más allá de los cofines de su propia corteza frontal convirtiéndose socialmente en artista. – Descartando cualquier relación dinero mediante.
Exhalo profundo, ligeramente mareado pero satisfecho, sabiendo que esta manifestación numérica en porcentajes podrá oficiar de respuesta a preguntas tan profundas como: ¿Qué es el arte? O bien la popular: Mi vecino, ¿es artista o ciruja?
Probabilidarte es un porcentaje (auto) relativo que expresa la probabilidad de éxito de cada individuo con o contra el arte. Y bajo la premisa de que todos arrancaríamos con el indicador en el máximo posible, y luego de una leve observación, ¿quién podría afirmar que no puede hacer arte?

Carlos Graziosetti es publicista, con 13 años de experiencia dedicados a internet, diseñador multimedia, artista de medio tiempo y de vez en cuando construye escenarios sonoros transitorios.

5. Willmann, O. (1907). The Seven Liberal Arts. By the Catholic Encyclopedia en http://www.newadvent.org/adverts/99001f.htm 

Ella podría ser dibujada o simplemente permanecer como un sonido gutural. Eso quisieran ellos. Pero a costas de una sociabilidad tan deseada, la transfiguramos en caracteres posibles de entrelazarse para lograr un sentido, podría ser uno, aquel que derive en ese significado esperado.
Ivonne Bordelois propone un rescate, ya que anuncia una amenaza y en consecuencia, la denuncia. Se sumerge a la historiografía de la palabra, a su etimología, y desde allí nos devela aquellas historias que al hoy navegan en la familiaridad, entendida como la naturalización de la palabra en relación a su práctica social y cultural. Nos propone descubrir y dar cuenta de nuestras réplicas automatizadas, y de cómo esas palabras nacieron en relaciones a patrones hegemónicos, de cómo sus derivas cristalizan los sentidos y de porque debiéramos de conocerlas para otorgarles nuevamente su lectura de origen, o bien para reubicarlas, o al fin, transformarlas.

En La palabra amenazada la autora sostiene que el lenguaje nos otorga uno de los mayores actos de resistencia, he aquí que ellos (sectores del poder) intenten volverlo invisible e inaudible. Rescatar la palabra es lograr una conciencia ecológica, aquella que nos permitirá un uso del lenguaje desde la crítica, desde el placer, desde lo creativo y claro está, desde el contacto de nosotros con el mundo, el nuestro o el de otros.

Daniela Pasquet es Diseñadora Gráfica. Docente UNaM. Artista visual.

Datos de la obra:
Título: La palabra amenazada.
Autor: Bordeois, Ivonne
Año: 2003-2005
Buenos Aires: Libros del Zorzal
Pp: 138

Link editorial: http://www.delzorzal.com/libros/mirada-atenta/220-la-palabra-amenazada

Muchas de las cosas que vienen sucediendo, y a menudo, en nuestra Misiones querida, es que a medida transcurre el tiempo, cada vez más vamos descubriendo personajes del campo artístico que hace años están allí, pero que nosotros nunca los vimos. Ya sea por falta de información, o de difusión, hay artistas de reconocida trayectoria fuera de nuestra región, que nos representan pero que nunca llegaron a hacerse eco aquí.
Uno de esos casos es el de Augusto Busse1, santafesino, radicado en la tierra colorada hace décadas ya, con un largo camino recorrido a nivel nacional. Pintor y dibujante, expuso una muestra en el Museo Lucas Braulio Areco2, titulada “Pequeña retrospectiva y renacimiento”, debido a un serio problema de salud que ha comenzado el año pasado; del que creyó no salir en su momento, y con el cual continúa luchando.
Hemos escuchado decir en varias ocasiones “es un poco más de lo mismo”; y lo hemos vuelto a oír en esta situación, lo que, inmediatamente, nos ha generado ciertos interrogantes: ¿qué es un poco más de lo mismo? ¿Quién decide hoy, al menos en Misiones, qué se considera arte y qué no? “El arte es la pregunta en sí, pregunta permanente sobre la vida y sobre el ser del hombre”3 dice Diana Aisenberg y para entenderlo, deberíamos erradicar esa suposición de que hay un modelo establecido de obra y de arte hoy. Como también, recordar que detrás de toda creación, hay un ser humano. Parece que nos olvidamos que siempre hay una persona que ha invertido tiempo y esfuerzo, además de pasión en lo que hace y en lo que comparte, mostrándolo al público. En Busse se refleja todo eso y más. Aquí no se exponen sólo obras en una muestra, se expone también el artista mismo. Su ser. Heidegger decía que el arte es una de las posibilidades de revelación del Ser; es el ámbito de la manifestación de una esencia que sólo se muestra por medio del arte.
Respetando la decisión del artista de no colocar epígrafes, sus imágenes nos permiten dilucidar nuestras propias denotaciones con el mundo real. En algunas se registran algunas connotaciones de paisajes propios, donde las aguas del río grande se hacen presentes y se imponen a la mirada del espectador. En otras, podemos captar la reflexión de una época vivida, oscura y llena de violencia, marcada por una fuerte utilización de rojos vibrantes que sobresalen de climas calmos, en donde el espacio se hace sentir… arrastrando figuras a lo profundo de sus planos. La fuerza expresiva que emana de estas pinceladas, denotan una visión del artista, sobre la tierra que lo enamoró. Pero también, hay angustia y desesperación. Sus pinturas sugieren un grito ahogado, exasperado, en un era donde todo es fugaz y aparentemente fútil. En donde la calma y la ira, están en un mismo lugar. En su mismo ser. Entonces, a todos aquellos que levantaron las manos, les invitamos a que lo conozcan. Les sorprendería descubrir que tan propias podrían llegar a sentir sus imágenes.

Valeria Darnet es Licenciada en Artes Plásticas. Docente UNaM. Artista Grabadora.

1. http://www.busse.com.ar/
2. Rivadavia 1846 (Entre Bolívar y Córdoba) Posadas.
3. Aisenberg, Diana. (2007). “Arte Contemporáneo. Cómo dejar de decir no entiendo”. (Extractos de la charla en el Museo Provincial de Bellas Artes Ramón Gómez Cornet, Santiago del Estero.) en Roberto Echen …[et.al.]. (2010) “Recetas : las mejores sugerencias para mirar arte contemporáneo – 1a ed. – Rosario : Ediciones Castagnino/macro, p. 15.

Me tomo el atrevimiento de definir a esta película como una oda al anhelo de aquello inalcanzable, eso que probablemente no tendremos nunca. No se puede evitar sentir que en esta obra fantástica, su creador –Woody Allen- constantemente pretende demostrar que no importa que tan felices seamos ni cuanto poseemos porque siempre desearemos eso que no podemos tener, y si lo obtenemos pierde importancia rápidamente, ya que otra ilusión tomará su lugar.
Para todos aquellos que se precien de soñadores, este film es un boleto de ida, al menos por poco más de una hora, a ese mundo donde todo puede pasar, digo esto porque a medida que el protagonista, Gil Pender -Owen Wilson-, avanza en su aventura descubrimos que París no sólo es un lugar, es también un momento determinado de nuestras vidas.

Tal vez, varios momentos o situaciones que nos marcan para siempre, incluso si no estuvimos presentes, si tal vez sólo leímos o escuchamos hablar de ese acontecimiento, nos apropiamos de él y lo llevamos con nosotros a todas partes. Este film es uno de esos que trascienden, de esos que nos hacen pensar y reflexionar en que haríamos nosotros si estuviésemos en el papel del protagonista y si quisiéramos estarlo.
Si leemos entre líneas, o mejor dicho, si observamos entre fotogramas, Woody Allen nos demuestra que Albert Einstein no es el único genio en creer que el tiempo es relativo.

Leonardo López es Diseñador Gráfico. Docente UNaM. Realizador FX.

Ficha técnica
Título: Midnight in Paris.
Año: 2011
País de origen: Estados Unidos y España.
Protagonistas: Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Adrien Brody, Alison Pill, Kathy Bates, Tom Hiddleston, Léa Seydoux, Kurt Fuller.
Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Link de tráiler: youtube